La pintura acrílica es una pintura "nueva", por eso es que no tenemos demasiados artistas conocidos que hayan utilizado este tipo de pintura.
La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico. Aunque solubles en agua, una vez que secan son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Italia y Estados Unidos
Montañas de David Alfaro Siqueiros
La historia de los acrílicos fluidos nace alrededor de 1930 de la mano del famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros que al mezclar pinturas de diferentes densidades obtuvo «accidentalmente» las formas y resultados que podemos ver en la actualidad.
En su estudio de Nueva York, Siqueiros investigó junto con expertos en materiales y química esta técnica que nombró Accidental Paint. (https://acrilicofluido.com/que-es-el-pouring/historia/)
Bueno el caso es que nosotros podemos incursionar en esta técnica de secado rápido y sacar el máximo partido de las posibilidades que nos ofrecen estos materiales.
Para quienes quieran visitar nuestra tienda en internet no tienen más que hacer un click en el enlace https://contentarte.mitiendanube.com
Así luce la Tienda:
Allí podrán ver todas las Cajas de arte para niños, con el contenido de cada una de ellas. Hay novedades!! Tenemos dos cajitas nuevas: el modelo Renoir y el Degas.
Uno de los secretos del dibujo se encuentra en las reglas de la perspectiva. No es difícil, sólo es necesario observar y aprender las reglas.
Sin embargo, en ocasiones puede suceder que lo que llama la atención y provoca la admiración sea su falta de ajuste a las mismas reglas. Tal podría ser el caso del famoso Dormitorio de Arlés pintado por Vincent Van Gogh en 1888.
Título original: De slaapkamer
Museo: Museo Van Gogh, Amsterdam (Países Bajos)
Técnica: Óleo (72 x 90 cm.)
El dormitorio en Arlés (1888) es una de las obras más famosas de Vincent Van Gogh. Casi sin formación académica, su obra resulta sumamente llamativa al tacto: el manejo de los volúmenes es tal que pareciera que la recámara, en este caso, estuviese chueca, volcada sobre sí misma, en un equilibrio incierto que remite a una realidad desfasada, a punto de colapsar sobre el espectador. Hay algo en las proporciones que funciona solamente sobre sí mismo, y que invita a una inmersión secundaria: primero, la de la perspectiva —como si se estuviese entrando al cuarto—; luego, la de la desestabilización, de la pérdida del suelo.
Es que Vincent estaba preocupado por el color. Era el color lo que debía hablar en su lienzo.
Después de pintar la obra, el 16 de octubre de 1888, le escribió a su hermano Theo una carta que dice así:
“Mi querido Theo,
Por fin puedo enviarle un pequeño boceto para darle al menos una idea de cómo está fluyendo mi trabajo. Por hoy estoy bien otra vez. Mis ojos todavía están cansados, pero luego tuve una nueva idea en mi cabeza y aquí está el bosquejo.
Esta vez es simplemente mi habitación, solo que aquí el color es para hacer todo, y dar por simplificado un estilo más grandioso a las cosas, es sugerir aquí un descanso o un sueño en general. En una palabra, al mirar la imagen, debería descansar el cerebro, o más bien la imaginación.
Las paredes son de color violeta pálido. El piso es de tejas rojas. La madera de la cama y las sillas es el amarillo de la mantequilla fresca, las sábanas y las almohadas son de color verde limón muy claro.La colcha escarlata. La ventana verde. La mesa del baño naranja, el lavabo azul. Las puertas de color lila. Y eso es todo: no hay nada en esta habitación con sus persianas cerradas. La cuadratura de los muebles nuevamente debe expresar un descanso inviolable. Retratos en las paredes, y un espejo y una toalla y algo de ropa. El marco, como no hay blanco en la imagen, será blanco. Esto como venganza por el descanso forzado que me vi obligado a tomar. Trabajaré en ello nuevamente todo el día, pero ya ves lo simple que es la concepción. Las sombras y las sombras proyectadas se suprimen; está pintado en tintes planos libres como los grabados japoneses.
No te escribo una carta larga, porque mañana muy temprano comenzaré a la fresca luz de la mañana, para terminar mi lienzo.Te haré bocetos de las otras habitaciones también algún día.
Con un buen apretón de manos.
Siempre tuyo, Vincent”.
Hasta aquí la historia del Dormitorio de Arlés.
Pero ahora sí, vamos a dejar el color a Vincent, para tomar sólo el lápiz y aprender las reglas para dibujar una habitación en perspectiva.
Entre las versiones de cajitas infantiles ContentARTE tenemos ahora dos nuevos modelos: Gaudí y Angélico.
La cajita Gaudí viene preparada para experimentar con materiales y realizar propuestas que tienen relación con el impresionismo, el postimpresionismo y el art nouveau.
ElEl modelo Angélico está pensado para bebés y niños muy pequeños, porque es posible experimentar con el arte desde los primeros meses de vida.
Si tenés un cumpleaños, un baby shower, o simplemente buscas que tus niños se entretengan mientras aprenden y desarrollan habilidades artísticas... Esto es para vos.
Queremos compartir con ustedes dos vídeos explicativos sobre una de las obras más importantes del pintor español DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ. Se trata de Las meninas. El primer vídeo es una explicación para adultos, el segundo está dirigido al público infantil.
FICHA DE AUTOR: Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
Sevilla, 1599 - Madrid, 1660
Adoptó el apellido de su madre, según uso frecuente en Andalucía, firmando "Diego Velázquez" o "Diego de Silva Velázquez". Estudió y practicó el arte de la pintura en su ciudad natal hasta cumplir los veinticuatro años, cuando se trasladó con su familia a Madrid y entró a servir al rey desde entonce ...
Fuente: Museo Nacional del Prado
Las meninas
1656. Óleo sobre lienzo, 320,5 x 281,5 cm. Sala 012 del Museo del Prado, Madrid.
https://youtu.be/BGzdmBmDzaU
Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados. El pintor alcanzó su objetivo y el cuadro se convirtió en la única pintura a la que el tratadista Antonio Palomino dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles (1724). Lo tituló En que se describe la más ilustre obra de don Diego Velázquez, y desde entonces no ha perdido su estatus de obra maestra. Gracias a Palomino sabemos que se pintó en 1656 en el Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, que es el escenario de la acción. El tratadista cordobés también identificó a la mayor parte de los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita, a la que atienden doña María Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, meninas de la reina. Además de ese grupo, vemos a Velázquez trabajar ante un gran lienzo, a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza a un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. En el espejo se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria, padres de la infanta y testigos de la escena. Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.
Las meninas tiene un significado inmediato accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo realizado en un espacio concreto y protagonizado por personajes identificables que llevan a cabo acciones comprensibles. Sus valores estéticos son también evidentes: su escenario es uno de los espacios más creíbles que nos ha dejado la pintura occidental; su composición aúna la unidad con la variedad; los detalles de extraordinaria belleza se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la Edad Moderna, pues ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado con éxito la representación de la vida o la animación. Pero, como es habitual en Velázquez, en esta escena en la que la infanta y los servidores interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes, subyacen numerosos significados, que pertenecen a campos de la experiencia diferentes y que la convierten en una de las obras maestras de la pintura occidental que ha sido objeto de una mayor cantidad y variedad de interpretaciones. Existe, por ejemplo, una reflexión sobre la identidad regia de la infanta, lo que, por extensión llena el cuadro de contenido político. Pero también hay varias referencias importantes de carácter histórico-artístico, que se encarnan en el propio pintor o en los cuadros que cuelgan de la pared del fondo; y la presencia del espejo convierte el cuadro en una reflexión sobre el acto de ver y hace que el espectador se pregunte sobre las leyes de la representación, sobre los límites entre pintura y realidad y sobre su propio papel dentro del cuadro.
Esa riqueza y variedad de contenidos, así como la complejidad de su composición y la variedad de las acciones que representa, hacen que Las meninas sea un retrato en el que su autor utiliza estrategias de representación y persigue unos objetivos que desbordan los habituales en ese género y lo acercan a la pintura de historia. En ese sentido, constituye uno de los lugares principales a través de los cuales Velázquez reivindicó las posibilidades del principal género pictórico al que se había dedicado desde que se estableció en la corte en 1623.
Portus, Javier, Diego Velázquez 'Las Meninas'. En :. Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680], Madrid, Museo Nacional del Prado, 2013, p.126-129 n.16
Hemos ido desarrollando distintas técnicas, hemos preparado el bastidor, nuestras pinturas al óleo, hemos realizado arte botánico e ilustración botánica... Hoy toca el turno a la acuarela!!
Empezaremos preparando nuestras propias pastillas de acuarela... (https://youtu.be/fsQicd8-N20)
Joseph Mallory William Turner - The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up, 1839.
J.M.William Turner - The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up (1839)
William Turner es probablemente el acuarelista más famoso e influyente del Reino Unido, y esta es no sólo una de sus obras más famosas, sino también una de sus favoritas. Si bien ella no es un paisaje en acuarela sino en técnica de óleo, consideramos incluirla debido a ser el paisaje más famoso realizado por Turner, uno de los más grandes acuarelistas de todos los tiempos.
Prominente en el terreno de los paisajes en acuarela, era todo un especialista en las marinas (hecho muy relacionado con su afición de viajar) y en el uso de la luz.
El HMS Temeraire fue una nave de batalla de la Marina Real, la cual es famosa por su heroico desempeño en la Batalla de Trafalgar, en 1805, entre el Reino Unidos y las flotas navales de Francia y España.
Turner representa la nave años después de sus días de gloria, siendo tirada por una embarcación remolcadora para ser destruída. La pintura le rinde tributo a los barcos de vela que serían reemplazados por fragatas de vapor.
Turner también utilizó cierto simbolismo: como el sol que se pone para sugerir el fallecimiento de su sujeto, una mortalidad que va más allá de su heroico pasado. Turner pintó esta obra estando en la cima de su carrera, y se refería a ella como su “querida”.
En 2005, fue votada como la pintura más famosa de Gran Bretaña en una encuesta realizada por la BBC de Londres.
Las cajitas ContentARTE son un emprendimiento que tiene por finalidad que los niños (de 3 a 99 años) desarrollen habilidades artísticas y la creatividad mientras se entretienen y aprenden jugando. Las actividades artísticas y manuales contribuyen a la formación de la voluntad y la educación de los afectos... Y si además logramos que se motiven y entretengan lo más lejos posible de las pantallas, habremos logrado nuestro objetivo!!
Hay 5 modelos (para todos los gustos y bolsillos desde 1800 a 400) y todos van acompañados de cuadernillo de ideas, moldes, Scriptorium medieval y todos los materiales necesarios para poner en práctica las ideas.
No te lo pierdas! Sorprende a tus hijos, sobrinos o nietos con entretenimiento y arte. (No regales juguetes chinos, regalales arte y creatividad!!)
PRIMERA JUNTA DE GOBIERNO es una obra del pintor español Julio Vila y Prades (España, Valencia, 1873 - España, Barcelona, 1930). Se trata de una pintura de gran tamaño (3.10 x 4.20 m) es un Óleo sobre tela. No se conoce la fecha exacta de su realización pero podemos dar una fecha aproximada en las dos primeras décadas del siglo XX.
Julio Vila y Prades realizó sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia donde fue discípulo de Joaquín Agrasot, Juan Peyró y Francisco Domingo Marqués. Posteriormente, se trasladó a Madrid donde asistió al taller de Joaquín Sorolla entre 1893 y 1904. Años más tarde, viajó a Argentina donde se contactó con José Artal, principal marchante de arte español en Buenos Aires. Allí, realizó obras como Conduciendo hacienda (adquirida por el Estado español para el Museo de Arte Moderno) y Primera Junta de Gobierno. También recibió algunos encargos de pintura decorativa, como los techos para el Tigery Club de Buenos Aires, el palacio del Gobierno en Tucumán o el Club de Mar de Plata.
Preguntas y respuestas sobre el 25 de mayo
1- Quién fue el presidente de la Primera Junta de Gobierno del 25 de mayo 1810? El jefe del Regimiento de Patricios Cornelio Saavedra, quien había tenido una acción destacada como jefe militar con ocasión de las invasiones inglesas.
2- Qué estaba pasando en España? El rey Carlos IV y su hijo y heredero Fernando VII desde 1808 eran prisioneros de Napoleón. Napoleón había invadido España y había puesto como rey a su hermano José. Los españoles se habían alzado en armas contra ese gobierno. Este alzamiento es llamado Guerra de independencia y es lo que evoca Francisco de Goya en una de sus pinturas más conocidas: Los fusilamientos del 3 de mayo. Desde América habíamos apoyado con recursos económicos y humanos esa guerra contra el invasor. Pero en 1810 parecía un hecho que España perdería la guerra contra Napoleón ya que sus ejércitos habían logrado control total del territorio.
3- Por qué no podía tocarse la campana del Cabildo? Ante la gravedad de los hechos, en Buenos Aires (como en otras ciudades de América) se convocó a Cabildo Abierto el 22 de mayo. Se enviaron invitaciones a los vecinos pero no se podía tocar la campana del Cabildo porque no tenía el badajo.
4- Sabías que hubo una Primera Junta firmada el día 24 de mayo? Qué diferencia principal tuvo con la Primera Junta del 25 de mayo? Sí, se formó una primera junta el 24 de mayo de 1810 que estaba presidida por el virrey Baltasar Hidalgo de Cisneros, un valiente artillero de destacada actuación en la Batalla de Trafalgar. Esa fue la diferencia principal con la Junta que se conformó el día 25: el presidente fue Cornelio Saavedra jefe del Regimiento de Patricios.
5- Cornelio Saavedra dijo: "Yo no me vendo... ni por dinero alguno vendo mi honor y buen nombre... desprecio las amenazas que me hacen porque confío en que el mismo Dios Nuestro Señor que porque quiso me dio la vida... me la defenderá también en adelante y la conservaré hasta que sea Su Santa Voluntad". En qué contexto lo hizo? Respondió de ese modo cuando lo quisieron sobornar para que abandonara la lucha y lo amenazaron con matarlo si no lo hacía.
6- "...espero sabrán... ser buenos ciudadanos y servidores de su Patria, por cuya conservación en su libertad e independencia de toda dominación extranjera, les ruego con la mayor insistencia entreguen no sólo sus bienes sino también sus vidas, y en la última vez que les hablo les pido no abandonen la Santa Religión de sus mayores". Quién escribió estas palabras en su testamento? En su lecho de muerte Saavedra escribe su testamento. En él aparecen estas palabras como un encargo especial a sus hijos.
Cajas para entretenerse haciendo arte y creciendo en creatividad mientras te diviertes... Hay cajitas para todos los gustos y presupuestos... También para hacer regalitos de cumpleaños!!
Uno de los problemas que tenemos al trabajar con arcilla es que no disponemos de hornos profesionales. Sin embargo, puede emplearse el horno convencional de la casa para este fin, teniendo algunos cuidados...
Con la finalidad de contribuir con el desarrollo de la creatividad y las habilidades artísticas en los niños, (y además alejarlos de tanta exposición a las pantallas) hemos armado estás cajitas ContentARTE.
Se trata de una serie de construcciones donde se destacan varias columnas e imponentes murallas de rocas. Fueron parte de un conjunto de 30 pueblos , hoy en ruinas, y que representan un testimonio de la etapa de evangelización de los jesuitas hacia los indígenas guaraníes en el siglo XVII. Según Agencia EFE, Estas joyas arquitectónicas son conocidas también como reducciones, porque eran los lugares donde los jesuitas concentraban a las poblaciones indígenas para inculcarles la moral y la religión católica. Fue declarado patrimonio en 1982 y su atractivo reside en el valor testimonial, cultural e histórico, del vínculo entre los pueblos originarios guaraníes y los jesuitas de la Compañía de Jesús en América del Sur. (Cultura Nación)
