Hoy les proponemos algo de historia del arte y observación de un arte muy especial, que es el arte de la restauración.
En este caso se trata de la restauración de una magnífica obra del Greco.
El Expolio nos pone en situación en el momento en que Cristo durante su pasión va a ser despojado de sus vestiduras. La obra destinada a la sacristía de la Catedral de Toledo sería una buena meditación para cada sacerdote que en momentos previos a la celebración de la Santa Misa se despojara de sí para revestirse con los ornamentos litúrgicos a fin de subir al altar como "otro Cristo".
Espero disfruten de este video efectuado en el Museo del Prado donde se realizó hace unos años este magnífico trabajo de restauración.
La clase anterior habíamos visto cómo crear una matriz.
Un famoso artista, a quién hemos mencionado anteriormente, fue Gustave Doré. Paul Gustave Doré (Estrasburgo, 6 de enero de 1832-París, 23 de enero de 1883) fue un artista alsaciano francés, pintor, escultor e ilustrador, considerado en su país el último de los grandes ilustradores. Entre sus trabajos más notables pueden citarse las ilustraciones para El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, la Biblia (1865) y La Divina Comedia.
A la edad de quince años consiguió un contrato con Charles Philipo para que este le publicara una litografía por semana. Luego se le encargaron trabajos sobre François Rabelais, Honoré de Balzac y Dante Alighieri, haciendo que, aún muy joven, cobrase más que su contemporáneo Honoré Daumier.
En 1853 ilumina algunas obras de Lord Byron, que le abren las puertas para ilustrar a otros escritores de habla inglesa, entre ellas El cuervo de Edgar Allan Poe.
En 1862 viajó por España con el barón Davillier. Fruto de ese dilatado viaje, al año siguiente se publicaría una serie de crónicas sobre Valencia, Galicia, Andalucía, con estancias específicas de Granada, Madrid, y otras capitales españolas. La obra se incluyó en la colección Le Tour du Monde. En esa misma década de 1860, Doré ilustró una edición francesa de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes, partiendo de su experiencia vital en la geografía española.
Una nueva versión de la Biblia, ilustrada en 1865, le sirvió de tarjeta de presentación para hacer una gran exposición de sus obras en Londres, de la que saldría la Doré Gallery en New Bond Street.
En 1869, Blanchard Jerrold, sugirió que trabajaran juntos para producir un retrato de Londres. A Jerrold se le ocurrió la idea de plasmar The Microcosm of London (1808) obra de Rudolph Ackermann, William Pyne y Thomas Rowlandson.
Doré firmó un contrato de cinco años con la editorial Grant & Co. Eso implicaba que tenía que pasar al menos tres meses al año en Londres. Cobró la suma de 10 000 libras esterlinas (160 000 dólares aproximadamente) por año. El libro London: A Pilgrimage, con 180 grabados, fue publicado en 1872. Aunque fue un éxito comercial, a buena parte de los críticos no les gustó la publicación, escandalizados por el hecho de que Doré mostrara en su obra la pobreza existente en Londres. Fue acusado por el Art Journal de «fantasioso más que de ilustrador», y denunciado en otras revistas importantes, como la Westminster Review. Sin embargo, el éxito de London: A Pilgrimage provocó que los editores ingleses le hicieran más encargos: Paradise Lost (El paraíso perdido) de John Milton, The Idylls of the King de Alfred Tennyson, The Works de Thomas Hood, y The Divine Comedy (la versión inglesa de La Divina Comedia) de Dante Alighieri. De forma paralela fueron apareciendo sus trabajos en el Illustrated London News.
Falleció en 1883 y fue sepultado en el Cementerio del Père-Lachaise de la capital francesa.
Continuamos con el grabado... Ahora vamos a realizar el estampado de una matriz.
El grabado puede llevarse a cabo con diferentes técnicas.
Victor Delhez (Amberes, Bélgica, 2902 - Mendoza, Argentina 1985) fue un arquitecto, ingeniero agrónomo y eximio artista plástico especializado en grabado. Vivió por muchos años en la Argentina, en Mendoza, hasta su muerte. Desde 1940 estableció su taller en Chacras de Coria. Fue profesor en la Academia de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo. Es mundialmente conocido por sus grabados. Una de las series que realizó está compuesta por 49 grabados sobre el Apocalipsis.
Aquí una de las técnicas para que nosotros también podamos realizar un grabado.
La pintura acrílica es una pintura "nueva", por eso es que no tenemos demasiados artistas conocidos que hayan utilizado este tipo de pintura.
La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico. Aunque solubles en agua, una vez que secan son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Italia y Estados Unidos
Montañas de David Alfaro Siqueiros
La historia de los acrílicos fluidos nace alrededor de 1930 de la mano del famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros que al mezclar pinturas de diferentes densidades obtuvo «accidentalmente» las formas y resultados que podemos ver en la actualidad.
En su estudio de Nueva York, Siqueiros investigó junto con expertos en materiales y química esta técnica que nombró Accidental Paint. (https://acrilicofluido.com/que-es-el-pouring/historia/)
Bueno el caso es que nosotros podemos incursionar en esta técnica de secado rápido y sacar el máximo partido de las posibilidades que nos ofrecen estos materiales.
Un poquito más tarde de lo acostumbrado va la clase de hoy.
Degas fue un gran dibujante. Las duras sesiones de ensayo en los estudios de danza motivaron a Degas para ofrecer lo que no se aprecia con normalidad. Así surge la Bailarina leyendo o la Bailarina en reposo, incluso esta joven abanicándose para eliminar en lo posible el calor. Su expresión denota alivio al recibir el viento fresco en el rostro, agarrándose el cabello con la mano izquierda en un gesto naturalista. La firmeza del dibujo caracteriza toda la obra de Degas, siguiendo las instrucciones de Ingres aprendidas en su juventud. Al colocar rápidos trazos junto a los pies la figura no se levanta y produce la impresión de pesar.
Autor DEGAS EDGAR HILAIRE, 1880, Material: Pastel, Estilo: Impresionismo, Dimensiones: 61 x 42 cm, Museo: Metropolitan Museum of Art
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Así luce la Tienda:
Allí podrán ver todas las Cajas de arte para niños, con el contenido de cada una de ellas. Hay novedades!! Tenemos dos cajitas nuevas: el modelo Renoir y el Degas.
El dibujo es primordial a la hora de realizar cualquier obra, sea una ilustración, una pintura, ya que a partir de los bocetos vienen las grandes ideas que nos van a permitir crear nuestra obra y también sirve de guía a la hora de pintar especialmente cuando se trabaja la pintura o dibujo realista, donde existen innumerables detalles que destacar.
Decía Arshile Gorky que “El dibujo es la base del arte. Un mal pintor no puede dibujar. Pero quien dibuja bien, siempre puede pintar”.
A título de ejemplo puede servir este magnífico dibujo de Gustave Dore. El autordibuja la selva oscura en la que se encuentra Dante Alighieri al inicio de la Divina Commedia.
Gustave Doré es uno de los artistas más fascinantes del siglo XIX. Sus prodigiosas ilustraciones, de fama internacional, abarcan libros como La Biblia, La divina comedia, El paraíso perdido, El Quijote y demás grandes obras de la literatura universal, que muchos de nosotros tenemos visualmente en nuestras mentes gracias a sus dibujos.
Paul Gustave Doré (Estrasburgo, 6 de enero de 1832-París, 23 de enero de 1883) fue un artista alsaciano francés, pintor, escultor e ilustrador, faceta esta última que le dio fama internacional. Es considerado en su país el último de los grandes ilustradores e internacionalmente uno de los más famosos ilustradores del siglo XIX.
Bueno, podemos inspirarnos en el genial ilustrador y empezar a dar nuestros primeros pasos tomando un lápiz y realizando nuestro primer proyecto de dibujo.
Uno de los secretos del dibujo se encuentra en las reglas de la perspectiva. No es difícil, sólo es necesario observar y aprender las reglas.
Sin embargo, en ocasiones puede suceder que lo que llama la atención y provoca la admiración sea su falta de ajuste a las mismas reglas. Tal podría ser el caso del famoso Dormitorio de Arlés pintado por Vincent Van Gogh en 1888.
Título original: De slaapkamer
Museo: Museo Van Gogh, Amsterdam (Países Bajos)
Técnica: Óleo (72 x 90 cm.)
El dormitorio en Arlés (1888) es una de las obras más famosas de Vincent Van Gogh. Casi sin formación académica, su obra resulta sumamente llamativa al tacto: el manejo de los volúmenes es tal que pareciera que la recámara, en este caso, estuviese chueca, volcada sobre sí misma, en un equilibrio incierto que remite a una realidad desfasada, a punto de colapsar sobre el espectador. Hay algo en las proporciones que funciona solamente sobre sí mismo, y que invita a una inmersión secundaria: primero, la de la perspectiva —como si se estuviese entrando al cuarto—; luego, la de la desestabilización, de la pérdida del suelo.
Es que Vincent estaba preocupado por el color. Era el color lo que debía hablar en su lienzo.
Después de pintar la obra, el 16 de octubre de 1888, le escribió a su hermano Theo una carta que dice así:
“Mi querido Theo,
Por fin puedo enviarle un pequeño boceto para darle al menos una idea de cómo está fluyendo mi trabajo. Por hoy estoy bien otra vez. Mis ojos todavía están cansados, pero luego tuve una nueva idea en mi cabeza y aquí está el bosquejo.
Esta vez es simplemente mi habitación, solo que aquí el color es para hacer todo, y dar por simplificado un estilo más grandioso a las cosas, es sugerir aquí un descanso o un sueño en general. En una palabra, al mirar la imagen, debería descansar el cerebro, o más bien la imaginación.
Las paredes son de color violeta pálido. El piso es de tejas rojas. La madera de la cama y las sillas es el amarillo de la mantequilla fresca, las sábanas y las almohadas son de color verde limón muy claro.La colcha escarlata. La ventana verde. La mesa del baño naranja, el lavabo azul. Las puertas de color lila. Y eso es todo: no hay nada en esta habitación con sus persianas cerradas. La cuadratura de los muebles nuevamente debe expresar un descanso inviolable. Retratos en las paredes, y un espejo y una toalla y algo de ropa. El marco, como no hay blanco en la imagen, será blanco. Esto como venganza por el descanso forzado que me vi obligado a tomar. Trabajaré en ello nuevamente todo el día, pero ya ves lo simple que es la concepción. Las sombras y las sombras proyectadas se suprimen; está pintado en tintes planos libres como los grabados japoneses.
No te escribo una carta larga, porque mañana muy temprano comenzaré a la fresca luz de la mañana, para terminar mi lienzo.Te haré bocetos de las otras habitaciones también algún día.
Con un buen apretón de manos.
Siempre tuyo, Vincent”.
Hasta aquí la historia del Dormitorio de Arlés.
Pero ahora sí, vamos a dejar el color a Vincent, para tomar sólo el lápiz y aprender las reglas para dibujar una habitación en perspectiva.
Hace poco tiempo compartimos una primera aproximación a la pintura con acuarelas elaborada por los curadores del Museo Thyssen Bornemiza.
Obra de John Singer Sargent - Gondoliers’ Siesta, 1904.
Siguiendo los pasos del gran referente, J.M. William Turner, John Singer Sargent también creó más de 2000 acuarelas en total, aunque durante toda su vida sólo formó parte de dos exhibiciones dedicadas al medio, cortesía de la Galería Knoedler. (Fuente: https://www.ttamayo.com/2020/11/10-paisajes-en-acuarela-famosos/)
Sus aventuras con la pintura empezaron a los 44 años, cuando corría el año de 1900 y mientras él hacía numerosos viajes al norte de África, el medio oriente y, notablemente, Venecia, Italia, lugar que representó en muchos de sus paisajes en acuarela.
Se dice que este artista utilizó una aproximación un tanto inusual a la técnica, pues se valía de una variedad de medios para lograr sus efectos de luminosidad (recursos que hoy en día quizás no nos resultan tan extraños), como frotar lavados húmedos entre sí mientras preservaba el blanco del papel para las luces.
Bueno, es que hoy también queremos volver a esta técnica cautivante con dos vídeos explicativos realizados por el artista y profesor José Manuel Gallego García.
https://youtu.be/XHwVaP9RPh0
Y para que no se queden con gusto a poco y puedan experimentar algo más, va un segundo vídeo con algunas ideas para empezar a ejercitar
Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse la más empleada en los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.
En la imagen una de las más famosas obras de Fra Angélico que representa la Anunciación está realizada con esta técnica sobre tabla. Recientemente ha sido restaurada y puede apreciarse en toda la vivacidad de su colorido.
La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce. Ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto. También se han usado técnicas relacionadas en pinturas de la antigua India y en la India del inicio del medievo en cuevas y en templos tallados en piedra. La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrolló desde la pintura encáustica y fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de manuscritos en el mundo bizantino y en el medievo y Renacimiento europeos. Por ejemplo, todas las pinturas sobre tabla conservadas de Miguel Ángel son de temple al huevo.
La pintura al temple, también conocida como témpera, es una técnica de pintura en la que el disolvente del pigmento es el agua y el aglutinante (también denominado temple o engrosador) algún tipo de grasa animal, glicerina, huevo, caseína, otras materias orgánicas o goma.
Es posible pintar sin pinceles ni colores? Claro que sí!
La propuesta de hoy es pintar con nuestros propios dedos!!
Como veremos el resultado puede ser semejante a las pinturas conocidas dentro de la historia del arte como divisionismo o puntillismo.
Elpuntillismoes una de las técnicas de pintura más sorprendentes, ya que en ocasiones, parece mentira que algunos de los cuadros de este movimiento hayan sido realizadospunto a punto. Esta, precisamente, es la base de la corriente puntillista: la realización de un cuadro a partir de minúsculas manchas de pintura que, en su unidad, forman una imagen.
El puntillismo surgió a finales de los años 80, del siglo XIX, de mano del artista Georges Seurat, siendo su contemporáneo Paul Signac otro de los pioneros de la técnica. Ambos revolucionaron el panorama artístico de la época al prescindir de las pinceladas y empezar a usar pequeños puntos que, vistos a cierta distancia, formaban la imagen deseada.
Muchos han sido los artistas que, posteriormente, han trabajado el puntillismo. Otros artistas que experimentaron con esta técnica fueron Camille Pissarro y Vincent Van Gogh.
https://youtu.be/Zah7Ss31W5Y
Puede ser una técnica muy interesante para practicar con niños.
Esta técnica es bastante sencilla de realizar pero sus resultados pueden ser verdaderamente hermosos si el realizador es paciente y observador. Nos estamos refiriendo al collage.
Uno de los artistas que utilizó está técnica para expresarse fue Henry Mattise. Como les contamos a los niños en el primer cuadernillo ContentARTE, en el ocaso de su vida, postrado en una silla de rueda ya no podía usar los pinceles y por eso empezó a "pintar con tijeras". Grandes obras, muchas inspiradas en formas vegetales, le permitían recrear enormes jardines para pasear con la mirada. Ese es el caso de esta obra conocida como "El periquito y la sirena".
Y ahora vamos a nuestro vídeo para aprender está técnica...
Esta técnica resulta algo muy particular, es casi como hacer un experimento y ver qué resultado obtenemos...
Para quienes se animen aquí está la explicación y el paso a paso para lograrlo... El resultado tiene algún parecido con el grabado y con iluminación también nos recuerda a los vitrales.
A probar entonces: https://youtu.be/_7Yph7eCzeM
Te invitamos también a probar con tus hijos, nietos o sobrinos las cajitas ContentARTE para desarrollar habilidades artísticas y la creatividad. Consultanos por WhatsApp al 2604400222.
En esta sencilla línea de tiempo compartimos algunos contenidos de historia del arte que pueden acompañar las actividades con los cuadernillos de sugerencias que acompañan las Cajitas ContentARTE...
Es un modo de aprender algo de la historia del arte mientras desarrollamos la creatividad y las habilidades artísticas.
Entre las versiones de cajitas infantiles ContentARTE tenemos ahora dos nuevos modelos: Gaudí y Angélico.
La cajita Gaudí viene preparada para experimentar con materiales y realizar propuestas que tienen relación con el impresionismo, el postimpresionismo y el art nouveau.
ElEl modelo Angélico está pensado para bebés y niños muy pequeños, porque es posible experimentar con el arte desde los primeros meses de vida.
Si tenés un cumpleaños, un baby shower, o simplemente buscas que tus niños se entretengan mientras aprenden y desarrollan habilidades artísticas... Esto es para vos.
Para terminar, por ahora, con las acuarelas en este video aprenderemos a preparar nuestra propia caja de acuarelas.
De paso compartimos aquí una acuarela que pinta un fragmento de la casa Battló de Barcelona, rediseñada y decorada por Antonio Gaudí y que tiene una gran relación con la historia de San Jorge (San Jordi dicen en Cataluña) y la liberación de ese pueblo acosado por un dragón... Otro día les cuento esa historia...
Y aquí va la clase de hoy
En YouTube la puedes encontrar aquí: https://youtu.be/gGJT3_VxP1M
La semana próxima empezaremos a recorrer el camino de otra técnica artística.
Queremos compartir con ustedes dos vídeos explicativos sobre una de las obras más importantes del pintor español DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ. Se trata de Las meninas. El primer vídeo es una explicación para adultos, el segundo está dirigido al público infantil.
FICHA DE AUTOR: Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
Sevilla, 1599 - Madrid, 1660
Adoptó el apellido de su madre, según uso frecuente en Andalucía, firmando "Diego Velázquez" o "Diego de Silva Velázquez". Estudió y practicó el arte de la pintura en su ciudad natal hasta cumplir los veinticuatro años, cuando se trasladó con su familia a Madrid y entró a servir al rey desde entonce ...
Fuente: Museo Nacional del Prado
Las meninas
1656. Óleo sobre lienzo, 320,5 x 281,5 cm. Sala 012 del Museo del Prado, Madrid.
https://youtu.be/BGzdmBmDzaU
Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados. El pintor alcanzó su objetivo y el cuadro se convirtió en la única pintura a la que el tratadista Antonio Palomino dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles (1724). Lo tituló En que se describe la más ilustre obra de don Diego Velázquez, y desde entonces no ha perdido su estatus de obra maestra. Gracias a Palomino sabemos que se pintó en 1656 en el Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, que es el escenario de la acción. El tratadista cordobés también identificó a la mayor parte de los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita, a la que atienden doña María Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, meninas de la reina. Además de ese grupo, vemos a Velázquez trabajar ante un gran lienzo, a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza a un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. En el espejo se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria, padres de la infanta y testigos de la escena. Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.
Las meninas tiene un significado inmediato accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo realizado en un espacio concreto y protagonizado por personajes identificables que llevan a cabo acciones comprensibles. Sus valores estéticos son también evidentes: su escenario es uno de los espacios más creíbles que nos ha dejado la pintura occidental; su composición aúna la unidad con la variedad; los detalles de extraordinaria belleza se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la Edad Moderna, pues ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado con éxito la representación de la vida o la animación. Pero, como es habitual en Velázquez, en esta escena en la que la infanta y los servidores interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes, subyacen numerosos significados, que pertenecen a campos de la experiencia diferentes y que la convierten en una de las obras maestras de la pintura occidental que ha sido objeto de una mayor cantidad y variedad de interpretaciones. Existe, por ejemplo, una reflexión sobre la identidad regia de la infanta, lo que, por extensión llena el cuadro de contenido político. Pero también hay varias referencias importantes de carácter histórico-artístico, que se encarnan en el propio pintor o en los cuadros que cuelgan de la pared del fondo; y la presencia del espejo convierte el cuadro en una reflexión sobre el acto de ver y hace que el espectador se pregunte sobre las leyes de la representación, sobre los límites entre pintura y realidad y sobre su propio papel dentro del cuadro.
Esa riqueza y variedad de contenidos, así como la complejidad de su composición y la variedad de las acciones que representa, hacen que Las meninas sea un retrato en el que su autor utiliza estrategias de representación y persigue unos objetivos que desbordan los habituales en ese género y lo acercan a la pintura de historia. En ese sentido, constituye uno de los lugares principales a través de los cuales Velázquez reivindicó las posibilidades del principal género pictórico al que se había dedicado desde que se estableció en la corte en 1623.
Portus, Javier, Diego Velázquez 'Las Meninas'. En :. Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680], Madrid, Museo Nacional del Prado, 2013, p.126-129 n.16
Para continuar con la clase del miércoles pasado hemos traído está preciosa acuarela de Juan Zorrilla que nos muestra la vista de la Alhambra, al atardecer desde el Albaicín...
Cómo no recordar aquella subida a paso firme por esa callejuelas estrechas y serpenteantes hasta llegar a la cumbre cuando se ponía el sol... Para sorprenderse con la vista imponente detrás de la Cañada del Río Darro.
"La Fortaleza Roja” fue construida con arcilla ferruginosa sobre la colina de la Sabika, escoltada al sur por Sierra Nevada. Desde los miradores del Albaicín parece un buque rojizo enmarcado por el azul del cielo, el blanco de Sierra Nevada y el verdor de la Vega.
Pero vayamos a la clase que hoy nos convoca:
(Si alguien no puede abrirla podrá verla directamente en Youtube, haciendo click aquí https://youtu.be/pEFS0a1fV7A)
Como siempre los invitamos a recorrer el Blog de ContentARTE donde podrán encontrar otros recursos vinculados con el arte y la descripción de las cajitas ContentARTE para niños. Siempre serán bienvenidos a compartir los contenidos de https://contentarte.blogspot.com
Hemos ido desarrollando distintas técnicas, hemos preparado el bastidor, nuestras pinturas al óleo, hemos realizado arte botánico e ilustración botánica... Hoy toca el turno a la acuarela!!
Empezaremos preparando nuestras propias pastillas de acuarela... (https://youtu.be/fsQicd8-N20)
Joseph Mallory William Turner - The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up, 1839.
J.M.William Turner - The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up (1839)
William Turner es probablemente el acuarelista más famoso e influyente del Reino Unido, y esta es no sólo una de sus obras más famosas, sino también una de sus favoritas. Si bien ella no es un paisaje en acuarela sino en técnica de óleo, consideramos incluirla debido a ser el paisaje más famoso realizado por Turner, uno de los más grandes acuarelistas de todos los tiempos.
Prominente en el terreno de los paisajes en acuarela, era todo un especialista en las marinas (hecho muy relacionado con su afición de viajar) y en el uso de la luz.
El HMS Temeraire fue una nave de batalla de la Marina Real, la cual es famosa por su heroico desempeño en la Batalla de Trafalgar, en 1805, entre el Reino Unidos y las flotas navales de Francia y España.
Turner representa la nave años después de sus días de gloria, siendo tirada por una embarcación remolcadora para ser destruída. La pintura le rinde tributo a los barcos de vela que serían reemplazados por fragatas de vapor.
Turner también utilizó cierto simbolismo: como el sol que se pone para sugerir el fallecimiento de su sujeto, una mortalidad que va más allá de su heroico pasado. Turner pintó esta obra estando en la cima de su carrera, y se refería a ella como su “querida”.
En 2005, fue votada como la pintura más famosa de Gran Bretaña en una encuesta realizada por la BBC de Londres.
Continuamos conociendo más acerca de esta técnica que tanto uso ha tenido entre los pintores desde el renacimiento hasta nuestros días. (En la imagen, la famosa obra del neerlandés Johannes Vermeer La lechera)
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media, aunque de modo minoritario ya que en esa época predominaba la pintura al temple o al fresco. A fines del siglo XIV y durante el siglo XV, se comenzó a generalizar el uso del óleo en detrimento de otras técnicas, ya que permitía un secado más lento de la pintura, correcciones en la ejecución de la excelente estabilidad y conservación del color. Fueron los pintores de Flandes los primeros en usar el óleo de forma habitual, y se atribuye su invención al pintor Jan van Eyck sin ser esto totalmente cierto.
Por si no lo puedes ver directamente aquí va la ubicación en Youtube: https://youtu.be/0GmWJBUqQm8
Las cajitas ContentARTE son un emprendimiento que tiene por finalidad que los niños (de 3 a 99 años) desarrollen habilidades artísticas y la creatividad mientras se entretienen y aprenden jugando. Las actividades artísticas y manuales contribuyen a la formación de la voluntad y la educación de los afectos... Y si además logramos que se motiven y entretengan lo más lejos posible de las pantallas, habremos logrado nuestro objetivo!!
Hay 5 modelos (para todos los gustos y bolsillos desde 1800 a 400) y todos van acompañados de cuadernillo de ideas, moldes, Scriptorium medieval y todos los materiales necesarios para poner en práctica las ideas.
No te lo pierdas! Sorprende a tus hijos, sobrinos o nietos con entretenimiento y arte. (No regales juguetes chinos, regalales arte y creatividad!!)
El Arte botánico y la Ilustración botánica son dos ramas dentro del arte y de la ciencia que tienen sus puntos de contacto y también sus diferencias...
Como puntos de contactos en ambos casos nos situamos como observadores atentos de la maravillosa naturaleza hasta en sus mínimos detalles...
Aquí Laura Simón, ilustradora botánica del CONICET, nos cuenta su experiencia y su goce por la actividad que realiza:
Una exposición permanente de Arte botánico en el Kew Gardens de Londres puede verse aquí:
Más información sobre Ilustración botánica y sobre Arte botánico:
Compartiremos a partir de hoy unas clases de técnicas artísticas que nos ofrece el Museo Nacional Thysen Bornemisza de Madrid. (El enlace es el siguiente https://youtu.be/QfAiBEKlOV0)
Estas técnicas podrán ser aplicadas por jóvenes, adultos o niños (tal vez los niños necesiten alguna ayuda) lo que queremos decir es que una vez aprendida la técnica cada uno logrará un fruto diferente según su madurez y desarrollo de capacidades... Pero la técnica en sí no tiene edad...
PRIMERA JUNTA DE GOBIERNO es una obra del pintor español Julio Vila y Prades (España, Valencia, 1873 - España, Barcelona, 1930). Se trata de una pintura de gran tamaño (3.10 x 4.20 m) es un Óleo sobre tela. No se conoce la fecha exacta de su realización pero podemos dar una fecha aproximada en las dos primeras décadas del siglo XX.
Julio Vila y Prades realizó sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia donde fue discípulo de Joaquín Agrasot, Juan Peyró y Francisco Domingo Marqués. Posteriormente, se trasladó a Madrid donde asistió al taller de Joaquín Sorolla entre 1893 y 1904. Años más tarde, viajó a Argentina donde se contactó con José Artal, principal marchante de arte español en Buenos Aires. Allí, realizó obras como Conduciendo hacienda (adquirida por el Estado español para el Museo de Arte Moderno) y Primera Junta de Gobierno. También recibió algunos encargos de pintura decorativa, como los techos para el Tigery Club de Buenos Aires, el palacio del Gobierno en Tucumán o el Club de Mar de Plata.
Preguntas y respuestas sobre el 25 de mayo
1- Quién fue el presidente de la Primera Junta de Gobierno del 25 de mayo 1810? El jefe del Regimiento de Patricios Cornelio Saavedra, quien había tenido una acción destacada como jefe militar con ocasión de las invasiones inglesas.
2- Qué estaba pasando en España? El rey Carlos IV y su hijo y heredero Fernando VII desde 1808 eran prisioneros de Napoleón. Napoleón había invadido España y había puesto como rey a su hermano José. Los españoles se habían alzado en armas contra ese gobierno. Este alzamiento es llamado Guerra de independencia y es lo que evoca Francisco de Goya en una de sus pinturas más conocidas: Los fusilamientos del 3 de mayo. Desde América habíamos apoyado con recursos económicos y humanos esa guerra contra el invasor. Pero en 1810 parecía un hecho que España perdería la guerra contra Napoleón ya que sus ejércitos habían logrado control total del territorio.
3- Por qué no podía tocarse la campana del Cabildo? Ante la gravedad de los hechos, en Buenos Aires (como en otras ciudades de América) se convocó a Cabildo Abierto el 22 de mayo. Se enviaron invitaciones a los vecinos pero no se podía tocar la campana del Cabildo porque no tenía el badajo.
4- Sabías que hubo una Primera Junta firmada el día 24 de mayo? Qué diferencia principal tuvo con la Primera Junta del 25 de mayo? Sí, se formó una primera junta el 24 de mayo de 1810 que estaba presidida por el virrey Baltasar Hidalgo de Cisneros, un valiente artillero de destacada actuación en la Batalla de Trafalgar. Esa fue la diferencia principal con la Junta que se conformó el día 25: el presidente fue Cornelio Saavedra jefe del Regimiento de Patricios.
5- Cornelio Saavedra dijo: "Yo no me vendo... ni por dinero alguno vendo mi honor y buen nombre... desprecio las amenazas que me hacen porque confío en que el mismo Dios Nuestro Señor que porque quiso me dio la vida... me la defenderá también en adelante y la conservaré hasta que sea Su Santa Voluntad". En qué contexto lo hizo? Respondió de ese modo cuando lo quisieron sobornar para que abandonara la lucha y lo amenazaron con matarlo si no lo hacía.
6- "...espero sabrán... ser buenos ciudadanos y servidores de su Patria, por cuya conservación en su libertad e independencia de toda dominación extranjera, les ruego con la mayor insistencia entreguen no sólo sus bienes sino también sus vidas, y en la última vez que les hablo les pido no abandonen la Santa Religión de sus mayores". Quién escribió estas palabras en su testamento? En su lecho de muerte Saavedra escribe su testamento. En él aparecen estas palabras como un encargo especial a sus hijos.
Hoy tenemos el agrado de compartir en el Día Internacional de los Museos varias actividades artísticas que podemos realizar con la guía de grandes museos de arte del mundo!! A aprovechar estas ideas!!
Cajas para entretenerse haciendo arte y creciendo en creatividad mientras te diviertes... Hay cajitas para todos los gustos y presupuestos... También para hacer regalitos de cumpleaños!!
Uno de los problemas que tenemos al trabajar con arcilla es que no disponemos de hornos profesionales. Sin embargo, puede emplearse el horno convencional de la casa para este fin, teniendo algunos cuidados...
El Orient Express fue el nombre del servicio de tren de larga distancia que, en su mayor viaje, unía París con Estambul. Desde su inauguración en 1883 hasta 2009, su ruta fue alterada varias veces, por logística o por asuntos políticos. Fue considerado uno de los trenes más lujosos del mundo, con pasajeros que incluían desde millonarios, políticos hasta miembros de la aristocracia europea.
https://padlet.com/gallery/vsoe
En la década de 1930 el Orient Express alcanzó su auge máximo, con tres servicios atravesando Europa: el Orient Express original, el Simplon Orient Express, y el nuevo Arlberg Orient Express, que seguía la trayectoria París - Budapest pasando por Zúrich e Innsbruck, con vagones siguiendo rumbo hasta Bucarest o hasta Atenas. En esta época Londres ya contaba con los servicios del Simplon. Los pasajeros salían en tren con la British Southern Railway desde la estación Victoria hasta Dover, donde tomaban un ferry hacia Calais. A partir de allí seguían en tren hasta la estación La Gare de Lyon, en París, donde los vagones se acoplaban al Simplon. En esta época fue cuando el Orient Express adquirió su fama de tren lujoso; ofrecía un servicio de primera clase para sus pasajeros (en sus cocinas eran contratados renombrados chefs), que incluía miembros de la realeza, diplomáticos, millonarios y personalidades en general. Desde 1930 se seleccionaron los mejores muebles en el mundo, y para los servicios y los cubiertos se eligió la marca de mayor prestigio en el mundo un diseño de lujo, el italiano Cesa 1882.
El 10 de junio de 2001, el trayecto se limitó a la ruta París - Viena. A fines de 2009, el Orient Express realizó su último viaje. Dicha retirada fue motivada, según la compañía, por el auge de los vuelos baratos y los trenes de alta velocidades.
Actualmente se mantiene el recorrido Londres Venecia como se puede ver en el mapa y video.
El Expreso de Oriente en el arte
El Orient Express, debido a su fama, ya fue citado en algunos libros y filmes. Una de las referencias más conocidas está en el libro Asesinato en el Orient Express, escrito por Agatha Christie. En esta historia, el detective Hércules Poirot soluciona un crimen cometido a bordo del Simplon Orient Express. Otra referencia se encuentra en la obra El Expreso de Oriente, escrito por Graham Greene.
En los filmes, el Expreso de Oriente es citado en From Russia With Love, de Ian Fleming, así como en la versión de 2004 del filme La vuelta al mundo en ochenta días, entre otros.
El famosísimo perfume Chanel Nº5 realizó un spot publicitario en el Orient Express.
En 1991 se publicó Horror en el Orient Express, una campaña para el juego de rol La Llamada de Cthulhu que tiene como eje principal de su trama la ruta seguida por el tren. Existe también un juego para PC titulado "The Last Express" publicado en 1997.
Más recientemente el octavo episodio de la octava temporada moderna de la serie británica de ciencia ficción Doctor Who se titula Una momia en el Orient Express y se desarrolla en un tren espacial basado en los años de gloria del Orient Express.
Libro - Orient-Express: El tren de Europa de Mauricio Wiesenthal. Editorial Acantilado, 2020.
Con la finalidad de contribuir con el desarrollo de la creatividad y las habilidades artísticas en los niños, (y además alejarlos de tanta exposición a las pantallas) hemos armado estás cajitas ContentARTE.
Se trata de una serie de construcciones donde se destacan varias columnas e imponentes murallas de rocas. Fueron parte de un conjunto de 30 pueblos , hoy en ruinas, y que representan un testimonio de la etapa de evangelización de los jesuitas hacia los indígenas guaraníes en el siglo XVII. Según Agencia EFE, Estas joyas arquitectónicas son conocidas también como reducciones, porque eran los lugares donde los jesuitas concentraban a las poblaciones indígenas para inculcarles la moral y la religión católica. Fue declarado patrimonio en 1982 y su atractivo reside en el valor testimonial, cultural e histórico, del vínculo entre los pueblos originarios guaraníes y los jesuitas de la Compañía de Jesús en América del Sur. (Cultura Nación)
