Hoy les proponemos algo de historia del arte y observación de un arte muy especial, que es el arte de la restauración.
En este caso se trata de la restauración de una magnífica obra del Greco.
El Expolio nos pone en situación en el momento en que Cristo durante su pasión va a ser despojado de sus vestiduras. La obra destinada a la sacristía de la Catedral de Toledo sería una buena meditación para cada sacerdote que en momentos previos a la celebración de la Santa Misa se despojara de sí para revestirse con los ornamentos litúrgicos a fin de subir al altar como "otro Cristo".
Espero disfruten de este video efectuado en el Museo del Prado donde se realizó hace unos años este magnífico trabajo de restauración.
La clase anterior habíamos visto cómo crear una matriz.
Un famoso artista, a quién hemos mencionado anteriormente, fue Gustave Doré. Paul Gustave Doré (Estrasburgo, 6 de enero de 1832-París, 23 de enero de 1883) fue un artista alsaciano francés, pintor, escultor e ilustrador, considerado en su país el último de los grandes ilustradores. Entre sus trabajos más notables pueden citarse las ilustraciones para El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, la Biblia (1865) y La Divina Comedia.
A la edad de quince años consiguió un contrato con Charles Philipo para que este le publicara una litografía por semana. Luego se le encargaron trabajos sobre François Rabelais, Honoré de Balzac y Dante Alighieri, haciendo que, aún muy joven, cobrase más que su contemporáneo Honoré Daumier.
En 1853 ilumina algunas obras de Lord Byron, que le abren las puertas para ilustrar a otros escritores de habla inglesa, entre ellas El cuervo de Edgar Allan Poe.
En 1862 viajó por España con el barón Davillier. Fruto de ese dilatado viaje, al año siguiente se publicaría una serie de crónicas sobre Valencia, Galicia, Andalucía, con estancias específicas de Granada, Madrid, y otras capitales españolas. La obra se incluyó en la colección Le Tour du Monde. En esa misma década de 1860, Doré ilustró una edición francesa de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes, partiendo de su experiencia vital en la geografía española.
Una nueva versión de la Biblia, ilustrada en 1865, le sirvió de tarjeta de presentación para hacer una gran exposición de sus obras en Londres, de la que saldría la Doré Gallery en New Bond Street.
En 1869, Blanchard Jerrold, sugirió que trabajaran juntos para producir un retrato de Londres. A Jerrold se le ocurrió la idea de plasmar The Microcosm of London (1808) obra de Rudolph Ackermann, William Pyne y Thomas Rowlandson.
Doré firmó un contrato de cinco años con la editorial Grant & Co. Eso implicaba que tenía que pasar al menos tres meses al año en Londres. Cobró la suma de 10 000 libras esterlinas (160 000 dólares aproximadamente) por año. El libro London: A Pilgrimage, con 180 grabados, fue publicado en 1872. Aunque fue un éxito comercial, a buena parte de los críticos no les gustó la publicación, escandalizados por el hecho de que Doré mostrara en su obra la pobreza existente en Londres. Fue acusado por el Art Journal de «fantasioso más que de ilustrador», y denunciado en otras revistas importantes, como la Westminster Review. Sin embargo, el éxito de London: A Pilgrimage provocó que los editores ingleses le hicieran más encargos: Paradise Lost (El paraíso perdido) de John Milton, The Idylls of the King de Alfred Tennyson, The Works de Thomas Hood, y The Divine Comedy (la versión inglesa de La Divina Comedia) de Dante Alighieri. De forma paralela fueron apareciendo sus trabajos en el Illustrated London News.
Falleció en 1883 y fue sepultado en el Cementerio del Père-Lachaise de la capital francesa.
Continuamos con el grabado... Ahora vamos a realizar el estampado de una matriz.
El grabado puede llevarse a cabo con diferentes técnicas.
Victor Delhez (Amberes, Bélgica, 2902 - Mendoza, Argentina 1985) fue un arquitecto, ingeniero agrónomo y eximio artista plástico especializado en grabado. Vivió por muchos años en la Argentina, en Mendoza, hasta su muerte. Desde 1940 estableció su taller en Chacras de Coria. Fue profesor en la Academia de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo. Es mundialmente conocido por sus grabados. Una de las series que realizó está compuesta por 49 grabados sobre el Apocalipsis.
Aquí una de las técnicas para que nosotros también podamos realizar un grabado.
La pintura acrílica es una pintura "nueva", por eso es que no tenemos demasiados artistas conocidos que hayan utilizado este tipo de pintura.
La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico. Aunque solubles en agua, una vez que secan son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Italia y Estados Unidos
Montañas de David Alfaro Siqueiros
La historia de los acrílicos fluidos nace alrededor de 1930 de la mano del famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros que al mezclar pinturas de diferentes densidades obtuvo «accidentalmente» las formas y resultados que podemos ver en la actualidad.
En su estudio de Nueva York, Siqueiros investigó junto con expertos en materiales y química esta técnica que nombró Accidental Paint. (https://acrilicofluido.com/que-es-el-pouring/historia/)
Bueno el caso es que nosotros podemos incursionar en esta técnica de secado rápido y sacar el máximo partido de las posibilidades que nos ofrecen estos materiales.
Un poquito más tarde de lo acostumbrado va la clase de hoy.
Degas fue un gran dibujante. Las duras sesiones de ensayo en los estudios de danza motivaron a Degas para ofrecer lo que no se aprecia con normalidad. Así surge la Bailarina leyendo o la Bailarina en reposo, incluso esta joven abanicándose para eliminar en lo posible el calor. Su expresión denota alivio al recibir el viento fresco en el rostro, agarrándose el cabello con la mano izquierda en un gesto naturalista. La firmeza del dibujo caracteriza toda la obra de Degas, siguiendo las instrucciones de Ingres aprendidas en su juventud. Al colocar rápidos trazos junto a los pies la figura no se levanta y produce la impresión de pesar.
Autor DEGAS EDGAR HILAIRE, 1880, Material: Pastel, Estilo: Impresionismo, Dimensiones: 61 x 42 cm, Museo: Metropolitan Museum of Art
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El dibujo es primordial a la hora de realizar cualquier obra, sea una ilustración, una pintura, ya que a partir de los bocetos vienen las grandes ideas que nos van a permitir crear nuestra obra y también sirve de guía a la hora de pintar especialmente cuando se trabaja la pintura o dibujo realista, donde existen innumerables detalles que destacar.
Decía Arshile Gorky que “El dibujo es la base del arte. Un mal pintor no puede dibujar. Pero quien dibuja bien, siempre puede pintar”.
A título de ejemplo puede servir este magnífico dibujo de Gustave Dore. El autordibuja la selva oscura en la que se encuentra Dante Alighieri al inicio de la Divina Commedia.
Gustave Doré es uno de los artistas más fascinantes del siglo XIX. Sus prodigiosas ilustraciones, de fama internacional, abarcan libros como La Biblia, La divina comedia, El paraíso perdido, El Quijote y demás grandes obras de la literatura universal, que muchos de nosotros tenemos visualmente en nuestras mentes gracias a sus dibujos.
Paul Gustave Doré (Estrasburgo, 6 de enero de 1832-París, 23 de enero de 1883) fue un artista alsaciano francés, pintor, escultor e ilustrador, faceta esta última que le dio fama internacional. Es considerado en su país el último de los grandes ilustradores e internacionalmente uno de los más famosos ilustradores del siglo XIX.
Bueno, podemos inspirarnos en el genial ilustrador y empezar a dar nuestros primeros pasos tomando un lápiz y realizando nuestro primer proyecto de dibujo.
Uno de los secretos del dibujo se encuentra en las reglas de la perspectiva. No es difícil, sólo es necesario observar y aprender las reglas.
Sin embargo, en ocasiones puede suceder que lo que llama la atención y provoca la admiración sea su falta de ajuste a las mismas reglas. Tal podría ser el caso del famoso Dormitorio de Arlés pintado por Vincent Van Gogh en 1888.
Título original: De slaapkamer
Museo: Museo Van Gogh, Amsterdam (Países Bajos)
Técnica: Óleo (72 x 90 cm.)
El dormitorio en Arlés (1888) es una de las obras más famosas de Vincent Van Gogh. Casi sin formación académica, su obra resulta sumamente llamativa al tacto: el manejo de los volúmenes es tal que pareciera que la recámara, en este caso, estuviese chueca, volcada sobre sí misma, en un equilibrio incierto que remite a una realidad desfasada, a punto de colapsar sobre el espectador. Hay algo en las proporciones que funciona solamente sobre sí mismo, y que invita a una inmersión secundaria: primero, la de la perspectiva —como si se estuviese entrando al cuarto—; luego, la de la desestabilización, de la pérdida del suelo.
Es que Vincent estaba preocupado por el color. Era el color lo que debía hablar en su lienzo.
Después de pintar la obra, el 16 de octubre de 1888, le escribió a su hermano Theo una carta que dice así:
“Mi querido Theo,
Por fin puedo enviarle un pequeño boceto para darle al menos una idea de cómo está fluyendo mi trabajo. Por hoy estoy bien otra vez. Mis ojos todavía están cansados, pero luego tuve una nueva idea en mi cabeza y aquí está el bosquejo.
Esta vez es simplemente mi habitación, solo que aquí el color es para hacer todo, y dar por simplificado un estilo más grandioso a las cosas, es sugerir aquí un descanso o un sueño en general. En una palabra, al mirar la imagen, debería descansar el cerebro, o más bien la imaginación.
Las paredes son de color violeta pálido. El piso es de tejas rojas. La madera de la cama y las sillas es el amarillo de la mantequilla fresca, las sábanas y las almohadas son de color verde limón muy claro.La colcha escarlata. La ventana verde. La mesa del baño naranja, el lavabo azul. Las puertas de color lila. Y eso es todo: no hay nada en esta habitación con sus persianas cerradas. La cuadratura de los muebles nuevamente debe expresar un descanso inviolable. Retratos en las paredes, y un espejo y una toalla y algo de ropa. El marco, como no hay blanco en la imagen, será blanco. Esto como venganza por el descanso forzado que me vi obligado a tomar. Trabajaré en ello nuevamente todo el día, pero ya ves lo simple que es la concepción. Las sombras y las sombras proyectadas se suprimen; está pintado en tintes planos libres como los grabados japoneses.
No te escribo una carta larga, porque mañana muy temprano comenzaré a la fresca luz de la mañana, para terminar mi lienzo.Te haré bocetos de las otras habitaciones también algún día.
Con un buen apretón de manos.
Siempre tuyo, Vincent”.
Hasta aquí la historia del Dormitorio de Arlés.
Pero ahora sí, vamos a dejar el color a Vincent, para tomar sólo el lápiz y aprender las reglas para dibujar una habitación en perspectiva.
Hace poco tiempo compartimos una primera aproximación a la pintura con acuarelas elaborada por los curadores del Museo Thyssen Bornemiza.
Obra de John Singer Sargent - Gondoliers’ Siesta, 1904.
Siguiendo los pasos del gran referente, J.M. William Turner, John Singer Sargent también creó más de 2000 acuarelas en total, aunque durante toda su vida sólo formó parte de dos exhibiciones dedicadas al medio, cortesía de la Galería Knoedler. (Fuente: https://www.ttamayo.com/2020/11/10-paisajes-en-acuarela-famosos/)
Sus aventuras con la pintura empezaron a los 44 años, cuando corría el año de 1900 y mientras él hacía numerosos viajes al norte de África, el medio oriente y, notablemente, Venecia, Italia, lugar que representó en muchos de sus paisajes en acuarela.
Se dice que este artista utilizó una aproximación un tanto inusual a la técnica, pues se valía de una variedad de medios para lograr sus efectos de luminosidad (recursos que hoy en día quizás no nos resultan tan extraños), como frotar lavados húmedos entre sí mientras preservaba el blanco del papel para las luces.
Bueno, es que hoy también queremos volver a esta técnica cautivante con dos vídeos explicativos realizados por el artista y profesor José Manuel Gallego García.
https://youtu.be/XHwVaP9RPh0
Y para que no se queden con gusto a poco y puedan experimentar algo más, va un segundo vídeo con algunas ideas para empezar a ejercitar
Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse la más empleada en los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.
En la imagen una de las más famosas obras de Fra Angélico que representa la Anunciación está realizada con esta técnica sobre tabla. Recientemente ha sido restaurada y puede apreciarse en toda la vivacidad de su colorido.
La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce. Ha sido usada desde la decoración de sarcófagos del antiguo Egipto. También se han usado técnicas relacionadas en pinturas de la antigua India y en la India del inicio del medievo en cuevas y en templos tallados en piedra. La técnica ya era conocida por el mundo clásico, donde parece que se desarrolló desde la pintura encáustica y fue el principal medio usado en pintura de tabla e iluminación de manuscritos en el mundo bizantino y en el medievo y Renacimiento europeos. Por ejemplo, todas las pinturas sobre tabla conservadas de Miguel Ángel son de temple al huevo.
La pintura al temple, también conocida como témpera, es una técnica de pintura en la que el disolvente del pigmento es el agua y el aglutinante (también denominado temple o engrosador) algún tipo de grasa animal, glicerina, huevo, caseína, otras materias orgánicas o goma.
Es posible pintar sin pinceles ni colores? Claro que sí!
La propuesta de hoy es pintar con nuestros propios dedos!!
Como veremos el resultado puede ser semejante a las pinturas conocidas dentro de la historia del arte como divisionismo o puntillismo.
Elpuntillismoes una de las técnicas de pintura más sorprendentes, ya que en ocasiones, parece mentira que algunos de los cuadros de este movimiento hayan sido realizadospunto a punto. Esta, precisamente, es la base de la corriente puntillista: la realización de un cuadro a partir de minúsculas manchas de pintura que, en su unidad, forman una imagen.
El puntillismo surgió a finales de los años 80, del siglo XIX, de mano del artista Georges Seurat, siendo su contemporáneo Paul Signac otro de los pioneros de la técnica. Ambos revolucionaron el panorama artístico de la época al prescindir de las pinceladas y empezar a usar pequeños puntos que, vistos a cierta distancia, formaban la imagen deseada.
Muchos han sido los artistas que, posteriormente, han trabajado el puntillismo. Otros artistas que experimentaron con esta técnica fueron Camille Pissarro y Vincent Van Gogh.
https://youtu.be/Zah7Ss31W5Y
Puede ser una técnica muy interesante para practicar con niños.
Esta técnica es bastante sencilla de realizar pero sus resultados pueden ser verdaderamente hermosos si el realizador es paciente y observador. Nos estamos refiriendo al collage.
Uno de los artistas que utilizó está técnica para expresarse fue Henry Mattise. Como les contamos a los niños en el primer cuadernillo ContentARTE, en el ocaso de su vida, postrado en una silla de rueda ya no podía usar los pinceles y por eso empezó a "pintar con tijeras". Grandes obras, muchas inspiradas en formas vegetales, le permitían recrear enormes jardines para pasear con la mirada. Ese es el caso de esta obra conocida como "El periquito y la sirena".
Y ahora vamos a nuestro vídeo para aprender está técnica...
Esta técnica resulta algo muy particular, es casi como hacer un experimento y ver qué resultado obtenemos...
Para quienes se animen aquí está la explicación y el paso a paso para lograrlo... El resultado tiene algún parecido con el grabado y con iluminación también nos recuerda a los vitrales.
A probar entonces: https://youtu.be/_7Yph7eCzeM
Te invitamos también a probar con tus hijos, nietos o sobrinos las cajitas ContentARTE para desarrollar habilidades artísticas y la creatividad. Consultanos por WhatsApp al 2604400222.
En esta sencilla línea de tiempo compartimos algunos contenidos de historia del arte que pueden acompañar las actividades con los cuadernillos de sugerencias que acompañan las Cajitas ContentARTE...
Es un modo de aprender algo de la historia del arte mientras desarrollamos la creatividad y las habilidades artísticas.
Entre las versiones de cajitas infantiles ContentARTE tenemos ahora dos nuevos modelos: Gaudí y Angélico.
La cajita Gaudí viene preparada para experimentar con materiales y realizar propuestas que tienen relación con el impresionismo, el postimpresionismo y el art nouveau.
ElEl modelo Angélico está pensado para bebés y niños muy pequeños, porque es posible experimentar con el arte desde los primeros meses de vida.
Si tenés un cumpleaños, un baby shower, o simplemente buscas que tus niños se entretengan mientras aprenden y desarrollan habilidades artísticas... Esto es para vos.
Para terminar, por ahora, con las acuarelas en este video aprenderemos a preparar nuestra propia caja de acuarelas.
De paso compartimos aquí una acuarela que pinta un fragmento de la casa Battló de Barcelona, rediseñada y decorada por Antonio Gaudí y que tiene una gran relación con la historia de San Jorge (San Jordi dicen en Cataluña) y la liberación de ese pueblo acosado por un dragón... Otro día les cuento esa historia...
Y aquí va la clase de hoy
En YouTube la puedes encontrar aquí: https://youtu.be/gGJT3_VxP1M
La semana próxima empezaremos a recorrer el camino de otra técnica artística.
Queremos compartir con ustedes dos vídeos explicativos sobre una de las obras más importantes del pintor español DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ. Se trata de Las meninas. El primer vídeo es una explicación para adultos, el segundo está dirigido al público infantil.
FICHA DE AUTOR: Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
Sevilla, 1599 - Madrid, 1660
Adoptó el apellido de su madre, según uso frecuente en Andalucía, firmando "Diego Velázquez" o "Diego de Silva Velázquez". Estudió y practicó el arte de la pintura en su ciudad natal hasta cumplir los veinticuatro años, cuando se trasladó con su familia a Madrid y entró a servir al rey desde entonce ...
Fuente: Museo Nacional del Prado
Las meninas
1656. Óleo sobre lienzo, 320,5 x 281,5 cm. Sala 012 del Museo del Prado, Madrid.
https://youtu.be/BGzdmBmDzaU
Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados. El pintor alcanzó su objetivo y el cuadro se convirtió en la única pintura a la que el tratadista Antonio Palomino dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles (1724). Lo tituló En que se describe la más ilustre obra de don Diego Velázquez, y desde entonces no ha perdido su estatus de obra maestra. Gracias a Palomino sabemos que se pintó en 1656 en el Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, que es el escenario de la acción. El tratadista cordobés también identificó a la mayor parte de los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita, a la que atienden doña María Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, meninas de la reina. Además de ese grupo, vemos a Velázquez trabajar ante un gran lienzo, a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza a un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. En el espejo se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria, padres de la infanta y testigos de la escena. Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.
Las meninas tiene un significado inmediato accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo realizado en un espacio concreto y protagonizado por personajes identificables que llevan a cabo acciones comprensibles. Sus valores estéticos son también evidentes: su escenario es uno de los espacios más creíbles que nos ha dejado la pintura occidental; su composición aúna la unidad con la variedad; los detalles de extraordinaria belleza se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la Edad Moderna, pues ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado con éxito la representación de la vida o la animación. Pero, como es habitual en Velázquez, en esta escena en la que la infanta y los servidores interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes, subyacen numerosos significados, que pertenecen a campos de la experiencia diferentes y que la convierten en una de las obras maestras de la pintura occidental que ha sido objeto de una mayor cantidad y variedad de interpretaciones. Existe, por ejemplo, una reflexión sobre la identidad regia de la infanta, lo que, por extensión llena el cuadro de contenido político. Pero también hay varias referencias importantes de carácter histórico-artístico, que se encarnan en el propio pintor o en los cuadros que cuelgan de la pared del fondo; y la presencia del espejo convierte el cuadro en una reflexión sobre el acto de ver y hace que el espectador se pregunte sobre las leyes de la representación, sobre los límites entre pintura y realidad y sobre su propio papel dentro del cuadro.
Esa riqueza y variedad de contenidos, así como la complejidad de su composición y la variedad de las acciones que representa, hacen que Las meninas sea un retrato en el que su autor utiliza estrategias de representación y persigue unos objetivos que desbordan los habituales en ese género y lo acercan a la pintura de historia. En ese sentido, constituye uno de los lugares principales a través de los cuales Velázquez reivindicó las posibilidades del principal género pictórico al que se había dedicado desde que se estableció en la corte en 1623.
Portus, Javier, Diego Velázquez 'Las Meninas'. En :. Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680], Madrid, Museo Nacional del Prado, 2013, p.126-129 n.16
