Para terminar, por ahora, con las acuarelas en este video aprenderemos a preparar nuestra propia caja de acuarelas.
De paso compartimos aquí una acuarela que pinta un fragmento de la casa Battló de Barcelona, rediseñada y decorada por Antonio Gaudí y que tiene una gran relación con la historia de San Jorge (San Jordi dicen en Cataluña) y la liberación de ese pueblo acosado por un dragón... Otro día les cuento esa historia...
Y aquí va la clase de hoy
En YouTube la puedes encontrar aquí: https://youtu.be/gGJT3_VxP1M
La semana próxima empezaremos a recorrer el camino de otra técnica artística.
Queremos compartir con ustedes dos vídeos explicativos sobre una de las obras más importantes del pintor español DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ. Se trata de Las meninas. El primer vídeo es una explicación para adultos, el segundo está dirigido al público infantil.
FICHA DE AUTOR: Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y
Sevilla, 1599 - Madrid, 1660
Adoptó el apellido de su madre, según uso frecuente en Andalucía, firmando "Diego Velázquez" o "Diego de Silva Velázquez". Estudió y practicó el arte de la pintura en su ciudad natal hasta cumplir los veinticuatro años, cuando se trasladó con su familia a Madrid y entró a servir al rey desde entonce ...
Fuente: Museo Nacional del Prado
Las meninas
1656. Óleo sobre lienzo, 320,5 x 281,5 cm. Sala 012 del Museo del Prado, Madrid.
https://youtu.be/BGzdmBmDzaU
Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados. El pintor alcanzó su objetivo y el cuadro se convirtió en la única pintura a la que el tratadista Antonio Palomino dedicó un epígrafe en su historia de los pintores españoles (1724). Lo tituló En que se describe la más ilustre obra de don Diego Velázquez, y desde entonces no ha perdido su estatus de obra maestra. Gracias a Palomino sabemos que se pintó en 1656 en el Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, que es el escenario de la acción. El tratadista cordobés también identificó a la mayor parte de los personajes: son servidores palaciegos, que se disponen alrededor de la infanta Margarita, a la que atienden doña María Agustina Sarmiento y doña Isabel de Velasco, meninas de la reina. Además de ese grupo, vemos a Velázquez trabajar ante un gran lienzo, a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza a un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. En el espejo se ven reflejados los rostros de Felipe IV y Mariana de Austria, padres de la infanta y testigos de la escena. Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.
Las meninas tiene un significado inmediato accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo realizado en un espacio concreto y protagonizado por personajes identificables que llevan a cabo acciones comprensibles. Sus valores estéticos son también evidentes: su escenario es uno de los espacios más creíbles que nos ha dejado la pintura occidental; su composición aúna la unidad con la variedad; los detalles de extraordinaria belleza se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la Edad Moderna, pues ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado con éxito la representación de la vida o la animación. Pero, como es habitual en Velázquez, en esta escena en la que la infanta y los servidores interrumpen lo que hacen ante la aparición de los reyes, subyacen numerosos significados, que pertenecen a campos de la experiencia diferentes y que la convierten en una de las obras maestras de la pintura occidental que ha sido objeto de una mayor cantidad y variedad de interpretaciones. Existe, por ejemplo, una reflexión sobre la identidad regia de la infanta, lo que, por extensión llena el cuadro de contenido político. Pero también hay varias referencias importantes de carácter histórico-artístico, que se encarnan en el propio pintor o en los cuadros que cuelgan de la pared del fondo; y la presencia del espejo convierte el cuadro en una reflexión sobre el acto de ver y hace que el espectador se pregunte sobre las leyes de la representación, sobre los límites entre pintura y realidad y sobre su propio papel dentro del cuadro.
Esa riqueza y variedad de contenidos, así como la complejidad de su composición y la variedad de las acciones que representa, hacen que Las meninas sea un retrato en el que su autor utiliza estrategias de representación y persigue unos objetivos que desbordan los habituales en ese género y lo acercan a la pintura de historia. En ese sentido, constituye uno de los lugares principales a través de los cuales Velázquez reivindicó las posibilidades del principal género pictórico al que se había dedicado desde que se estableció en la corte en 1623.
Portus, Javier, Diego Velázquez 'Las Meninas'. En :. Velázquez y la familia de Felipe IV, [1650-1680], Madrid, Museo Nacional del Prado, 2013, p.126-129 n.16
Para continuar con la clase del miércoles pasado hemos traído está preciosa acuarela de Juan Zorrilla que nos muestra la vista de la Alhambra, al atardecer desde el Albaicín...
Cómo no recordar aquella subida a paso firme por esa callejuelas estrechas y serpenteantes hasta llegar a la cumbre cuando se ponía el sol... Para sorprenderse con la vista imponente detrás de la Cañada del Río Darro.
"La Fortaleza Roja” fue construida con arcilla ferruginosa sobre la colina de la Sabika, escoltada al sur por Sierra Nevada. Desde los miradores del Albaicín parece un buque rojizo enmarcado por el azul del cielo, el blanco de Sierra Nevada y el verdor de la Vega.
Pero vayamos a la clase que hoy nos convoca:
(Si alguien no puede abrirla podrá verla directamente en Youtube, haciendo click aquí https://youtu.be/pEFS0a1fV7A)
Como siempre los invitamos a recorrer el Blog de ContentARTE donde podrán encontrar otros recursos vinculados con el arte y la descripción de las cajitas ContentARTE para niños. Siempre serán bienvenidos a compartir los contenidos de https://contentarte.blogspot.com
Hemos ido desarrollando distintas técnicas, hemos preparado el bastidor, nuestras pinturas al óleo, hemos realizado arte botánico e ilustración botánica... Hoy toca el turno a la acuarela!!
Empezaremos preparando nuestras propias pastillas de acuarela... (https://youtu.be/fsQicd8-N20)
Joseph Mallory William Turner - The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up, 1839.
J.M.William Turner - The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up (1839)
William Turner es probablemente el acuarelista más famoso e influyente del Reino Unido, y esta es no sólo una de sus obras más famosas, sino también una de sus favoritas. Si bien ella no es un paisaje en acuarela sino en técnica de óleo, consideramos incluirla debido a ser el paisaje más famoso realizado por Turner, uno de los más grandes acuarelistas de todos los tiempos.
Prominente en el terreno de los paisajes en acuarela, era todo un especialista en las marinas (hecho muy relacionado con su afición de viajar) y en el uso de la luz.
El HMS Temeraire fue una nave de batalla de la Marina Real, la cual es famosa por su heroico desempeño en la Batalla de Trafalgar, en 1805, entre el Reino Unidos y las flotas navales de Francia y España.
Turner representa la nave años después de sus días de gloria, siendo tirada por una embarcación remolcadora para ser destruída. La pintura le rinde tributo a los barcos de vela que serían reemplazados por fragatas de vapor.
Turner también utilizó cierto simbolismo: como el sol que se pone para sugerir el fallecimiento de su sujeto, una mortalidad que va más allá de su heroico pasado. Turner pintó esta obra estando en la cima de su carrera, y se refería a ella como su “querida”.
En 2005, fue votada como la pintura más famosa de Gran Bretaña en una encuesta realizada por la BBC de Londres.
Continuamos conociendo más acerca de esta técnica que tanto uso ha tenido entre los pintores desde el renacimiento hasta nuestros días. (En la imagen, la famosa obra del neerlandés Johannes Vermeer La lechera)
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media, aunque de modo minoritario ya que en esa época predominaba la pintura al temple o al fresco. A fines del siglo XIV y durante el siglo XV, se comenzó a generalizar el uso del óleo en detrimento de otras técnicas, ya que permitía un secado más lento de la pintura, correcciones en la ejecución de la excelente estabilidad y conservación del color. Fueron los pintores de Flandes los primeros en usar el óleo de forma habitual, y se atribuye su invención al pintor Jan van Eyck sin ser esto totalmente cierto.
Por si no lo puedes ver directamente aquí va la ubicación en Youtube: https://youtu.be/0GmWJBUqQm8
Las cajitas ContentARTE son un emprendimiento que tiene por finalidad que los niños (de 3 a 99 años) desarrollen habilidades artísticas y la creatividad mientras se entretienen y aprenden jugando. Las actividades artísticas y manuales contribuyen a la formación de la voluntad y la educación de los afectos... Y si además logramos que se motiven y entretengan lo más lejos posible de las pantallas, habremos logrado nuestro objetivo!!
Hay 5 modelos (para todos los gustos y bolsillos desde 1800 a 400) y todos van acompañados de cuadernillo de ideas, moldes, Scriptorium medieval y todos los materiales necesarios para poner en práctica las ideas.
No te lo pierdas! Sorprende a tus hijos, sobrinos o nietos con entretenimiento y arte. (No regales juguetes chinos, regalales arte y creatividad!!)
